Resumen

La obra ¡Ah chingá! forma parte de la serie A gallos y gallinas, un conjunto de acuarelas que reflexionan sobre la gráfica popular y la representación de los pollos en la cultura urbana. La pieza muestra cuatro pollitos teñidos artificialmente y alineados bajo un letrero de oferta con tipografía popular. Este contraste entre la estética colorida y el contenido irónico genera cuestionamientos sobre el consumo, la artificialidad y la manera en que el color y la tipografía moldean nuestra percepción visual. A través de la acuarela, la obra recrea la materialidad de estos elementos urbanos, utilizando capas de color para resaltar la vibración cromática y la expresividad del trazo. ¡Ah chingá! es una exploración sobre la interacción entre el arte y el diseño gráfico en la construcción de significados dentro del entorno urbano

Introducción

La gráfica popular mexicana es un fenómeno visual que permea la vida cotidiana, especialmente los espacios urbanos donde los rótulos, letreros de mercado y carteles pintados a mano forman parte del paisaje. Estas imágenes no solo cumplen una función comercial, sino que también generan un lenguaje gráfico distintivo, cargado de expresividad, humor e identidad cultural.

La obra ¡Ah chingá! toma estos elementos y los incorpora en una exploración pictórica sobre la relación entre la tipografía popular y la representación de los pollos teñidos, una práctica común en mercados y tianguis. A través de la acuarela, la pieza enfatiza el uso del color y su impacto en la percepción visual, contrastando la artificialidad de los tonos con la ironía del mensaje tipográfico.

El objetivo de esta propuesta es analizar cómo el arte puede dialogar con el diseño gráfico y la estética popular para generar discursos visuales que cuestionen nuestra relación con el consumo, la identidad y el entorno urbano.

Astrid Doporto Silva

Artista visual y diseñadora, estudiante de la Licenciatura en Artes y Diseño en la ENES Morelia, UNAM. Su trabajo explora la gráfica popular, la cultura urbana y la identidad a través de la pintura, la ilustración y el bordado. En su producción artística destaca el uso del color como elemento narrativo, estudiando su interacción con la luz y la tipografía en el entorno cotidiano.

Ha participado en diversas exposiciones colectivas, como ARS 2024 en Casa Villaseñor, Visitar 2024 en Café Arte Luna, y Otras formas de leer 2024 en la Academia de San Carlos. También ha colaborado en publicaciones como
Goooya y Traz!Besties.

Además de su práctica pictórica, desarrolla proyectos de divulgación cultural, exploración tipográfica y radio comunitaria, abordando la relación entre el arte y el contexto social.

“El hombre es feliz porque sabe olvidar. La memoria siempre está dispuesta a borrar lo malo y solo recordar lo bueno”

Varlam Shalámov

Se dice que todo el desierto cabe en un cuento, en un cuento corto, sin trama ni argumento, y cuyo único personaje —que se repite una y otra vez— no es otro que el deseo, el deseo vuelto ilusión. Y es que el desierto —en su aparente inmovilidad— no es más que el árido escenario de una esperanza mustia —y chitona— que mira, un día sí y otro no, al cielo, por si acaso se cruza una nube gorda que le apague la sed. Lo mismo se podría decir de nuestra historia, de esta historia del mundo, que bien cabría —sin apretarse— en un brevísimo memorial de lo que pudo ser, digamos que en un puro anhelo que, al igual que las espinas del cardón, sobrevive agarrado al tiempo.

Diana Salazar conoce —a ciegas y de memoria— este cuento corto, y ha aprendido a entender bien los murmullos del deseo y la ilusión. Y, además, en su constante andar por la vida (por sus montañas y sus ciudades), ha sabido tomar las notas justas —y sencillas— de esta historia; del mundo que se dibuja y se pinta de anhelos (de los tuyos, de los suyos, de los de ellas, de los de él); que se ata, obligada por los relojes, al tiempo, de la misma manera que lo hacen todos los recuerdos.

Por ello, sus monotipos, más que estampas gráficas hay que apreciarlas —y leerlas— como estampas literarias: narraciones con sus puntos y sus comas, con sus silencios y sus gritos, con sus apapachos y sus besos, en fin, con su deseo y su esperanza. Puede que, para Diana Salazar, la suma de elementos, de superposiciones de formas y colores, sea la manera más sincera de contarnos —y advertirnos— que la vida se sostiene de recuerdos: de esos paisajes que pudieron ser, o que debieron ser, o que tal vez fueron. Sin recuerdos, el arte —y la vida misma— sería puro vacío, vacío y ceniza.

La artista es optimista, se respira una paz: la paz de lo ido, de lo que se esconde ya en lontananza, en cada una de sus obras y en cada uno de sus cuentos. Y también hay esperanza, esa que canta el desierto, que nos regala el sol cada vez que escapa de la sombra. Y es que el tiempo no es cosa del reloj, es cosa de la vida que —como los recuerdos—, siempre intenta volver a empezar.

Esta exposición nos cuenta, como las paredes de un viejo barrio, que la historia del mundo está llena de silencios que construyen sinfonías.